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Investigando sobre la base histórica de la estética musical, se puede encontrar que el estudio más longevo sobre esta temática se halla en el ensayo “De lo bello en la música”, escrito en 1854 por Eduard Hanslick. Por ello se puede decir que el análisis de la Música y su estética está presente entre las actividades del ser humano desde hace siglos y que, a lo largo de la historia, su metodología y usos han ido cambiando.

A la hora de analizar una composición y la estética de la misma, por ejemplo, hay diversos temas que abordar, como los elementos que la pieza a tratar posee: ritmo, melodía o textura entre otros, el procedimiento generador de forma: repetición contraste y desarrollo e incluso los elementos estructurales de la forma musical. Todos estos conceptos deben ser conocidos y dominados por el profesional en musicología. Hoy en día, tanto para el cine, como para la publicidad y los medios de comunicación, tanto la historia de la música, como su estética y sus composiciones son fundamentales. Es por eso que los profesionales de esta rama de la musicología son tan demandados por empresas privadas y públicas, pues se trata de expertos que requieren un alto nivel de competencias y habilidades.

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Examine one of the major historical transitions in Music and Art: the shift from Baroque Rationalism to the aesthetics of feeling"

Module 1. Musical Aesthetics

1.1. Musical Aesthetics

1.1.1. What is Musical Aesthetics?
1.1.2. The Hedonistic Aesthetics
1.1.3. The Spiritualist Aesthetics
1.1.4. Intellectualist Aesthetics

1.2. Musical Thought in the Ancient World

1.2.1. The Mathematical Concept of Music
1.2.2. From Homer to the Pythagoreans
1.2.3. The "Nomoi"
1.2.4. Plato, Aristotle. Aristoxenus and the Peripatetic School

1.3. Transition between the Ancient and Medieval World

1.3.1. First Centuries of the Medieval Period
1.3.2. Creation of the Liturgical Tropes, Sequences and Dramas
1.3.3. The Troubadours and the Minstrels
1.3.4. The Cantigas

1.4. The Middle Ages

1.4.1. From the Abstract to the Concrete;Musica Enchiriadis
1.4.2. Guido D'Arezzo and the Musical Pedagogy
1.4.3. The Birth of Polyphony and the New Problems of Musical Theory
1.4.4. Marchetto di Padua and Franco of Cologne
1.4.5. Ars Antiqua and Ars Nova: Critical Awareness

1.5. The Renaissance and the New Rationality

1.5.1. Johannes Tinctoris and the "Effects " of the Music
1.5.2. Early Humanist Theorists: Glareanus. Zarlino and the New Concept of Harmony
1.5.3. The Birth of Melodrama
1.5.4. The Camerata of the Bardi

1.6. Reformation and Counter-Reformation: Word and Music

1.6.1. The Protestant Reformation. Martin Luther
1.6.2. The Counter-Reformation
1.6.3.  Understanding of Texts and  Harmony
1.6.4. The New Pythagoreanism. Leibniz: Reconciliation between the Senses and Reason

1.7. From Baroque Rationalism to the Aesthetics of Feeling

1.7.1. The Theory of the Affections, Harmony and Melodrama
1.7.2. Nature Imitation
1.7.3. Descartes and Innate Ideas
1.7.4. British Empiricism as Opposed to Descartes

1.8. The Enlightenment and the Encyclopedists

1.8.1. Rameau: The Union of the Art with the Reason
1.8.2. E. Kant and the Music
1.8.3. Vocal and Instrumental Music. Bach and the Enlightenment
1.8.4. Illuminism and the Sonata-Form

1.9. Romanticism

1.9.1. Wackenroder: Music as a Privileged Language
1.9.2. Schelling, Hegel, Schopenhauer
1.9.3. The Romantic Musician in Front of the Music
1.9.4. The Programmatic Music
1.9.5. Wagner
1.9.6. Nietzsche and the Crisis of the Romantic Reason

1.10. The Positivism and the Crisis of the Aesthetics of the 20th Century

1.10.1. Hanslick and Formalism
1.10.2. Positivism and the Birth of Musicology
1.10.3. Italian Neoidealism and Musical Aesthetics
1.10.4. The Sociology of Music

Module 2. Musical Analysis

2.1. Basic Concepts of Analysis

2.1.1. What is Musical Analysis?
2.1.2. The elements of the musical language; rhythm, melody, texture, harmony, pitch
2.1.3. Form generating procedures: repetition, contrast, development
2.1.4. Structural element of the musical form
2.1.5. Binary
2.1.6. Ternary
2.1.7. Rondo
2.1.8. Theme and Variations
2.1.9. Forms based on imitation: canon
2.1.10. Complex forms: sonata

2.2. Melodic and motivic analysis

2.2.1. 8 Bar melodies
2.2.2. Continuous and discontinuous melodies
2.2.3. Repetition and non-repetition of melodies
2.2.4. Notes of adornment

2.3.  Medieval music

2.3.1. Analysis of sound and stylistic characteristics
2.3.2. Forms and genre of Gregorian Chant
2.3.3. Ars Antiqua and Ars Nova
2.3.4. The modal system

2.4. The Renaissance

2.4.1. The imitative style
2.4.2. The motet
2.4.3. The Mass
2.4.4. The Lutheran choir
2.4.5. The English anthem

2.5. Renaissance schools and composers

2.5.1. The Franco-Flemish School. Dufay, Joaquín Des Prés, Ockeghem and Obrecht, Orlando de Lasso
2.5.2. The Counter-Reformation and the Mass after the Council of Trent (1542-1563)
2.5.3. The Roman School of Palestine and parody masses
2.5.4. The Venetian school and music for two or more choirs

2.6. Profane polyphony

2.6.1. Characteristics of the profane polyphony
2.6.2. The Canzoneta
2.6.3. The Frottola
2.6.4. Figuralism

2.7. The madrigal

2.7.1. What is the madrigal?
2.7.2. Characteristics of the madrigal
2.7.3. The evolution of the madrigal to a dramatic and virtuosic character
2.7.4. Substitution of the vocal ensemble by a voice: accompanied monody

2.8. The carol

2.8.1. Characteristics of the carol
2.8.2. Origins of the carol
2.8.3. Historical Evolution of the carol
2.8.4. Metrics of the carol

2.9. The Baroque suite

2.9.1. What is a suite?
2.9.2. Baroque dances
2.9.3. Study of the principle dances of the suite: Allemande, Courante, Sarabande and Gigue
2.9.4. Most outstanding suites

2.10. Music in Baroque

2.10.1. The prelude
2.10.2. Study of invention and fugue in the late Baroque period
2.10.3. School breakout: structure, typology and elements
2.10.4. Analysis of various baroque fugues

Allemande, Courante, Sarabande, etc. Master each and every one of the principal dances of The Suite thanks to this specialization in musical analysis"