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Modul 1. Geschichte des Designs

1.1. Was nützt es, etwas über Geschichte zu wissen?

1.1.1. Wertschätzung der Geschichte
1.1.2. Die Zukunft vorwegnehmen
1.1.3. Die Vergangenheit macht uns frei
1.1.4. Schlussfolgerungen

1.2. "Designgeschichte" als Disziplin betrachten

1.2.1. Wie machen wir Geschichte aus Geschichte?
1.2.2. Berücksichtigter Hintergrund
1.2.3. Die Entwicklung der Disziplin: 70er, 80er und 90er Jahre
1.2.4. Der Studiengegenstand der Designgeschichte
1.2.5. Trends und Forschungsrichtungen

1.3. Industrielle Revolution und andere Strömungen

1.3.1. Die Folgen der industriellen Revolution für das Design
1.3.2. Orientalischer Einfluss
1.3.3. Arts and Crafts. William Morris
1.3.4. Ästhetik
1.3.5. Art Nouveau

1.4. Historischer Hintergrund I

1.4.1. Wiener Sezession
1.4.2. Deutscher Werkbund
1.4.3. Russischer Konstruktivismus
1.4.4. De Stijl-Bewegung und Neo-Plastizismus

1.5. Das Bauhaus

1.5.1. Was ist das Bauhaus?
1.5.2. Erste Etappe
1.5.3. Zweite Etappe
1.5.4. Dritte Etappe
1.5.5. Grundlegende Prinzipien
1.5.6. Einflüsse

1.6. Historischer Hintergrund II

1.6.1. Art Deco
1.6.2. Internationaler Stil
1.6.3. Design der Nachkriegszeit
1.6.4. Die Ulmer Schule
1.6.5. Die Schweizer Schule

1.7. Der Funktionalist und der Funktionalist

1.7.1. Die funktionalistische Sichtweise
1.7.2. Das Schöne und das Praktische
1.7.3. Die Analogien des Funktionalismus
1.7.4. Funktionalismus als Stil

1.8. Historischer Hintergrund III

1.8.1. Die New Yorker Schule
1.8.2. Amerikanische Aerodynamik
1.8.3. Skandinavisches Design
1.8.4. Demokratischer Entwurf

1.9. Andere Trends

1.9.1. Pop
1.9.2. High-Tech
1.9.3. Minimal
1.9.4. Kitsch

1.10. Das digitale Zeitalter

1.10.1. Die Informationsrevolution
1.10.2. Computergestütztes Design
1.10.3. Biodesign, Neobiomorphismus, eco-friendly Design
1.10.4. Digitales Bild und neue Typografien

Modul 2. Einführung in die Farbe

2.1. Farbe, Prinzipien und Eigenschaften

2.1.1. Einführung in die Farbe
2.1.2. Licht und Farbe: chromatische Synästhesie
2.1.3. Attribute der Farbe
2.1.4. Pigmente und Farbstoffe

2.2. Farben auf dem Farbkreis

2.2.1. Der chromatische Kreis
2.2.2. Kühle und warme Farben
2.2.3. Primäre und abgeleitete Farben
2.2.4. Chromatische Beziehungen: Harmonie und Kontrast

2.3. Farbpsychologie

2.3.1. Konstruktion der Bedeutung einer Farbe
2.3.2. Emotionale Belastung
2.3.3. Denotativer und konnotativer Wert
2.3.4. Emotionales Marketing. Die Farbbelastung

2.4. Farbtheorie

2.4.1. Eine wissenschaftliche Theorie. Isaac Newton
2.4.2. Goethes Theorie der Farben
2.4.3. Sich an Goethes Farbentheorie beteiligen
2.4.4. Farbpsychologie nach Eva Heller

2.5. Bestehen auf einer Farbklassifizierung

2.5.1. Der Doppelkegel von Guillermo Ostwald
2.5.2. Albert Munsell's Solide
2.5.3. Alfred Hickethier's Würfel
2.5.4. Das CIE-Dreieck (Commission Internationale de l'Éclairage)

2.6. Das individuelle Studium der Farben

2.6.1. Schwarz und weiß
2.6.2. Neutrale Farben. Die Graustufen
2.6.3. Monochrom, zweifarbig, mehrfarbig
2.6.4. Symbolische und psychologische Aspekte von Farben

2.7. Farbige Modelle

2.7.1. Subtraktives Modell. CMYK-Modus
2.7.2. Additives Modell. RGB-Modus
2.7.3. HSB-Modell
2.7.4. Pantone-System. Die Pantonera

2.8. Vom Bauhaus zu Murakami

2.8.1. Das Bauhaus und seine Künstler
2.8.2. Gestalttheorie im Dienste der Farbe
2.8.3. Josef Albers. Das Zusammenspiel der Farben
2.8.4. Murakami, die Konnotationen der Abwesenheit von Farbe

2.9. Farbe im Designprojekt

2.9.1. Pop Art, die Farbe der Kulturen
2.9.2. Kreativität und Farbe
2.9.3. Zeitgenössische Künstler
2.9.4. Analyse der verschiedenen Optiken und Perspektiven

2.10. Farbmanagement in der digitalen Umgebung

2.10.1. Farbräume
2.10.2. Farbprofile
2.10.3. Monitor-Kalibrierung
2.10.4. Worauf Sie achten sollten

Modul 3. Einführung in die Form

3.1. Form

3.1.1. Definition, was ist das?
3.1.2. Qualitäten und Merkmale
3.1.3. Kontur, Silhouette, Figur und Profil, Aspekte ein und derselben Realität
3.1.4. Wesentliche Darstellung

3.2. Typologie der Form. Ästhetik der funktionalen Form

3.2.1. Formtypen nach ihrer Herkunft
3.2.2. Formtypen je nach ihrer Konfiguration
3.2.3. Formtypen nach ihrer Bedeutung
3.2.4. Formtypen nach ihrer Beziehung zum Raum
3.2.5. Formtypen nach ihrer Beziehung zwischen Hintergrund und Form

3.3. Die ersten grafischen Formen

3.3.1. Das Gekritzel
3.3.2. Die Klecksform
3.3.3. Der Punkt und die Linie
3.3.4. Erwecken der Kreativität durch Hirameki
3.3.5. Die Haiku-Form

3.4. Zusammensetzung der Form

3.4.1. Offene Form und geschlossene Form
3.4.2. Kompositionsform, halbformale und informelle Form
3.4.3. Symmetrie
3.4.4. Achsen. Axiale und radiale Symmetrie

3.5. Die Bedeutung der Proportionen in der Form

3.5.1. Anteil
3.5.2. Das goldene Rechteck
3.5.3. Skala
3.5.4. Arten von Skalen

3.6. Ismen: eine praktische Anwendung

3.6.1. Kubismus
3.6.2. Suprematismus
3.6.3. Konstruktivismus
3.6.4. Dadaismus

3.7. Der Mensch als Maßstab

3.7.1. Der Kanon
3.7.2. Verschiedene Kanons für die menschliche Figur
3.7.3. Die Darstellung der menschlichen Figur in der Kunst
3.7.4. Ergonomie

3.8. Visuelle Wahrnehmung und Form

3.8.1. Visuelle Wahrnehmung
3.8.2. Gestalt
3.8.3. Visuelles Denken
3.8.4. Wechselbeziehung der Formen

3.9. Psychologie der Formen

3.9.1. Der Kreis
3.9.2. Das Quadrat
3.9.3. Das Dreieck
3.9.4. Andere Formen

3.10. Einführung in die digitale Form

3.10.1. Von analog zu digital
3.10.2. Positive und negative Form
3.10.3. Wiederholung und Reflexion
3.10.4. Kombinierte Techniken

Modul 4. Redaktionelles Design

4.1. Einführung in das redaktionelle Design

4.1.1. Was ist redaktionelles Design?
4.1.2. Arten von Veröffentlichungen im redaktionellen Design
4.1.3. Der Editorial Designer und seine Kompetenzen
4.1.4. Faktoren beim redaktionellen Design

4.2. Geschichte des redaktionellen Designs

4.2.1. Die Forschung des Schreibens. Das Buch im Altertum
4.2.2. Die Gutenberg-Revolution
4.2.3. Die Buchhandlung des Ancien Régime (1520-1760)
4.2.4. Die zweite Buchrevolution (1760 -1914)
4.2.5. Vom 19. Jahrhundert bis heute

4.3. Grundlagen des redaktionellen Designs für Print und Digital

4.3.1. Das Format
4.3.2. Das Raster
4.3.3. Typografie
4.3.4. Farbe
4.3.5. Grafische Elemente

4.4. Gedruckte redaktionelle Medien

4.4.1. Arbeitsbereiche und Formate
4.4.2. Das Buch und seine Elemente: Schlagzeilen, Überschriften, einleitende Abschnitte, Hauptteil des Textes
4.4.3. Manipulationen: Falten und Binden
4.4.4. Drucken

4.5. Digitale Publikationsmedien

4.5.1. Digitales Publizieren
4.5.2. Aspekte der Form in digitalen Veröffentlichungen
4.5.3. Am häufigsten verwendete digitale Publikationen
4.5.4. Plattformen für die digitale Veröffentlichung

4.6. Einführung in InDesign I: Erste Schritte

4.6.1. Die Benutzeroberfläche und die Anpassung des Arbeitsbereichs
4.6.2. Bedienfelder, Einstellungen und Menüs
4.6.3. Der Fat-Plan
4.6.4. Optionen zum Erstellen neuer Dokumente und Speichern

4.7. Einführung in InDesign II: Vertiefung des Werkzeugs

4.7.1. Das Format der Veröffentlichung
4.7.2. Das Raster im Arbeitsbereich
4.7.3. Das Basisraster und seine Bedeutung
4.7.4. Verwendung von Linealen und Erstellung von Hilfslinien. Modus anzeigen
4.7.5. Das Panel und das Seitenwerkzeug. Die Masterseiten
4.7.6. Arbeiten mit Ebenen

4.8. Farb- und Bildmanagement in InDesign

4.8.1. Die Musterkollektion. Farbe und Schattierungen erzeugen
4.8.2. Das Werkzeug Pipette
4.8.3. Die Gradienten
4.8.4. Bildorganisation und Farbmanagement
4.8.5. Verwendung von Vignetten und verankerten Objekten
4.8.6. Erstellung und Konfiguration einer Tabelle

4.9. Text in InDesign

4.9.1. Der Text: Auswahl der Schriftarten
4.9.2. Textrahmen und ihre Optionen
4.9.3. Zeichenbedienfeld und Absatzbedienfeld
4.9.4. Fußnoten einfügen. Tabs

4.10. Redaktionelles Projekt

4.10.1. Liste der Editorial Designer: Projekte
4.10.2. Erstellung eines ersten Projekts in InDesign
4.10.3. Welche Elemente sollten enthalten sein?
4.10.4. Die Idee zu denken

Modul 5. Design-Methodik

5.1. Über Methodik und Design

5.1.1. Was ist Design-Methodik?
5.1.2. Unterschiede zwischen Methode, Methodik und Technik
5.1.3. Arten von methodischen Techniken
5.1.4. Deduktion, Induktion und Abduktion

5.2. Einführung in die Designforschung

5.2.1. Das Erlernen der wissenschaftlichen Methode
5.2.2. Allgemeine Konzepte von Forschungsprozessen
5.2.3. Die wichtigsten Phasen des Forschungsprozesses
5.2.4. Zeitplan

5.3. Einige Vorschläge zur Methodik

5.3.1. Vorschläge für eine neue Methodik von Bürdek Bernhard
5.3.2. Systematische Methode für Designer von Bruce Archer
5.3.3. Integrierter generalisierender Entwurf von Victor Papanek
5.3.4. Die Entwurfsmethode von Bruno Munari
5.3.5. Kreativer Problemlösungsprozess von Bernd Löbach
5.3.6. Andere Autoren und Skizzen von anderen Methoden

5.4. Problemstellung

5.4.1. Identifizierung und Analyse des Bedarfs
5.4.2. Der Brief, was ist das?
5.4.3. Was sollte ein guter Brief enthalten?
5.4.4. Tipps für die Vorbereitung eines Briefs

5.5. Recherche für das Projekt

5.5.1. Hintergrundstudie
5.5.2. Auswirkung des Projekts
5.5.3. Studie über das Zielpublikum
5.5.4. Tools für die Untersuchung des Ziels

5.6. Das Wettbewerbsumfeld

5.6.1. In Bezug auf den Markt
5.6.2. Wettbewerbsanalyse
5.6.3. Nutzenversprechen

5.7. Durchführbarkeitsstudie

5.7.1. Soziale Tragfähigkeit. SWOT-Analyse
5.7.2. Technische Machbarkeit
5.7.3. Wirtschaftliche Machbarkeit

5.8. Mögliche Lösungen für den Brief

5.8.1. Emotionalität in kreativen Prozessen
5.8.2. Divergenz, Transformation und Konvergenz
5.8.3. Brainstorming
5.8.4. Vergleich der Ideen

5.9. Zielsetzung

5.9.1. Allgemeines Ziel
5.9.2. Spezifische Ziele
5.9.3. Technische Ziele
5.9.4. Ästhetische und kommunikative Ziele
5.9.5. Ziele des Marktes

5.10. Entwicklung von Ideen

5.10.1. Feedback in der Ideenfindungsphase
5.10.2. Skizzen
5.10.3. Präsentation von Ideen
5.10.4. Methoden zur Kontrolle und kritischen Bewertung

Modul 6. Grafikdesign

6.1. Einführung in das Grafikdesign

6.1.1. Was ist Grafikdesign?
6.1.2. Funktionen von Grafikdesign
6.1.3. Handlungsfelder im Bereich Grafikdesign
6.1.4. Der Wert von Grafikdesign

6.2. Grafikdesign als berufliche Tätigkeit

6.2.1. Der Einfluss der Technologie auf die Entwicklung des Berufsstandes
6.2.2. Was ist die Rolle des Grafikdesigners?
6.2.3. Berufsfelder
6.2.4. Der Designer als Bürger

6.3. Grundlegende Elemente

6.3.1. Der Punkt
6.3.2. Die Linie
6.3.3. Die Form
6.3.4. Die Textur
6.3.5. Der Raum

6.4. Formale Elemente

6.4.1. Der Kontrast
6.4.2. Die Balance
6.4.3. Die Proportion
6.4.4. Der Rhythmus
6.4.5. Die Harmonie
6.4.6. Die Bewegung
6.4.7. Die Einheit

6.5. Referenten im Grafikdesign des 20. und 21. Jahrhunderts

6.5.1. Grafikdesigner, die die Geschichte geprägt haben
6.5.2. Die einflussreichsten Designer
6.5.3. Grafikdesigner heute
6.5.4. Visuelle Referenzen

6.6. Plakate

6.6.1. Das Werbeplakat
6.6.2. Funktionen
6.6.3. Plakate im 19. Jahrhundert
6.6.4. Visuelle Referenzen

6.7. Grafischer Stil

6.7.1. Ikonische Sprache und Massenkultur
6.7.2. Grafikdesign und seine Beziehung zur Kunst
6.7.3. Der grafische Stil selbst
6.7.4. Design ist kein Beruf, es ist eine Lebenseinstellung

6.8. Von der Straße zur Agentur

6.8.1. Design als die ultimative Avantgarde
6.8.2. Straßenkunst oder Street Art
6.8.3. Urbane Kunst in der Werbung
6.8.4. Urbane Kunst und Markenimage

6.9. Meistgenutzte digitale Tools

6.9.1. Adobe Lightroom
6.9.2. Adobe Photoshop
6.9.3. Adobe Illustrator
6.9.4. Adobe InDesign
6.9.5. CorelDRAW

6.10. Einführung in das Designprojekt

6.10.1. Der Brief
6.10.2. Definition
6.10.3. Begründung
6.10.4. Implikation
6.10.5. Ziele
6.10.6. Methodik

Modul 7. Corporate Image

7.1. Identität

7.1.1. Die Idee der Identität
7.1.2. Warum wird die Identität gesucht?
7.1.3. Arten von Identität
7.1.4. Digitale Identität

7.2. Corporate Identity

7.2.1. Definition. Warum eine Corporate Identity?
7.2.2. Faktoren, die die Corporate Identity beeinflussen
7.2.3. Komponenten der Corporate Identity
7.2.4. Kommunikation der Identität
7.2.5. Corporate Identity, Branding und Corporate Image

7.3. Corporate image

7.3.1. Charakteristisch für das Corporate Image
7.3.2. Was ist der Zweck des Corporate Image?
7.3.3. Arten von Corporate Image
7.3.4. Beispiele

7.4. Grundlegende Erkennungsmerkmale

7.4.1. Name oder Naming
7.4.2. Logos
7.4.3. Monogramme
7.4.4. Imagotypen

7.5. Faktoren zur Identitätserinnerung

7.5.1. Originalität
7.5.2. Symbolischer Wert
7.5.3. Trächtigkeit
7.5.4. Wiederholung

7.6. Methodik für den Branding-Prozess

7.6.1. Studie über den Sektor und den Wettbewerb
7.6.2. Brief, Vorlage
7.6.3. Markenstrategie und Markenpersönlichkeit definieren. Die Werte
7.6.4. Zielpublikum

7.7. Der Kunde

7.7.1. Spüren, wie der Kunde ist
7.7.2. Kundentypologien
7.7.3. Der Ablauf der Sitzung
7.7.4. Wie wichtig es ist, den Kunden zu kennen
7.7.5. Ein Budget festlegen

7.8. Handbuch zur Corporate Identity

7.8.1. Markenaufbau und Anwendungsstandards
7.8.2. Corporate Typografie
7.8.3. Unternehmensfarben
7.8.4. Andere grafische Elemente
7.8.5. Beispiele für Unternehmenshandbücher

7.9. Neugestaltung der Identitäten

7.9.1. Gründe für die Entscheidung, eine Identität neu zu gestalten
7.9.2. Bewältigung einer Änderung der Corporate Identity
7.9.3. Gute Praxis. Visuelle Referenzen
7.9.4. Schlechte Praxis. Visuelle Referenzen

7.10. Projekt zur Markenidentität

7.10.1. Präsentation und Erläuterung des Projekts. Referenzen
7.10.2. Brainstorming. Marktanalyse
7.10.3. Zielpublikum, Markenwert
7.10.4. Erste Ideen und Skizzen. Kreative Techniken
7.10.5. Das Projekt einrichten. Typografien und Farben
7.10.6. Lieferung und Korrektur von Projekten

Modul 8. Erstellung eines Portfolios

8.1. Das Portfolio

8.1.1. Das Portfolio als Ihr Einführungsschreiben
8.1.2. Die Bedeutung eines guten Portfolios
8.1.3. Orientierung und Motivation
8.1.4. Thomas-Schiene

8.2. Merkmale und Elemente

8.2.1. Das physische Format
8.2.2. Das digitale Format
8.2.3. Die Verwendung von Mockups
8.2.4. Häufige Fehler

8.3. Digitale Plattformen

8.3.1. Kontinuierlich lernende Gemeinschaften
8.3.2. Soziale Netzwerke: Twitter, Facebook, Instagram
8.3.3. Professionelle Netzwerke: LinkedIn, InfoJobs
8.3.4. Cloud-Portfolios: Behance

8.4. Der Designer im Arbeitsmodell

8.4.1. Karrieremöglichkeiten für einen Designer
8.4.2. Designagenturen
8.4.3. Business Grafikdesign
8.4.4. Erfolgsgeschichten

8.5. Wie kann ich mich professionell präsentieren?

8.5.1. Auf dem Laufenden bleiben und ständig recyceln
8.5.2. Der Lebenslauf und seine Bedeutung
8.5.3. Häufige Fehler in einem Lebenslauf oder Currículum Vitae
8.5.4. Wie erstellt man einen guten Currículum Vitae?

8.6. Die neuen Verbraucher

8.6.1. Die Wahrnehmung des Wertes
8.6.2. Definieren Sie Ihr Zielpublikum
8.6.3. Empathie-Karte
8.6.4. Persönliche Beziehungen

8.7. Meine persönliche Marke

8.7.1. Unternehmertum: die Suche nach dem Sinn
8.7.2. Machen Sie Ihre Leidenschaft zum Beruf
8.7.3. Das Ökosystem rund um Ihre Aktivität
8.7.4. Das Canvas-Modell

8.8. Die visuelle Identität

8.8.1. Das Naming
8.8.2. Die Werte einer Marke
8.8.3. Die wichtigsten Themen
8.8.4. Moodboard. Die Nutzung von Pinterest
8.8.5. Analyse der visuellen Faktoren
8.8.6. Analyse der zeitlichen Faktoren

8.9. Ethik und Verantwortung

8.9.1. Ethischer Dekalog für die Designpraxis
8.9.2. Copyright
8.9.3. Design und Verweigerung aus Gewissensgründen
8.9.4. "Gutes" Design

8.10. Der Preis für meine Arbeit

8.10.1. Brauchen Sie Geld zum Leben?
8.10.2. Grundlagen der Buchhaltung für Unternehmer
8.10.3. Arten von Ausgaben
8.10.4. Ihr Preis/Stunde. Einzelhandelspreis

Modul 9. Ethik, Gesetzgebung und berufliche Deontologie

9.1. Ethik, Moral, Recht und berufliche Deontologie

9.1.1. Grundlegende ethische Fragen. Einige moralische Dilemmas
9.1.2. Begriffliche Analyse und etymologischer Ursprung
9.1.3. Unterschiede zwischen Moral und Ethik
9.1.4. Die Verbindung zwischen Ethik, Moral, Recht und Deontologie

9.2. Geistiges Eigentum

9.2.1. Was ist geistiges Eigentum?
9.2.2. Arten von geistigem Eigentum
9.2.3. Plagiat und Urheberrechtsverletzung
9.2.4. Anticopyright

9.3. Praktische Aspekte der aktuellen Ethik

9.3.1. Utilitarismus, Konsequentialismus und Deontologie
9.3.2. Konsequentes Handeln vs. Handeln aus Prinzip
9.3.3. Dynamische Effizienz von prinzipientreuen Handlungen

9.4. Gesetzgebung und Moral

9.4.1. Konzept der Gesetzgebung
9.4.2. Konzept der Moral
9.4.3. Verbindung zwischen Recht und Moral
9.4.4. Von gerecht bis ungerecht auf der Grundlage logischer Überlegungen

9.5. Professionelles Verhalten

9.5.1. Der Umgang mit dem Kunden
9.5.2. Die Bedeutung der Vereinbarung von Bedingungen und Konditionen
9.5.3. Kunden kaufen kein Design
9.5.4. Professionelles Verhalten

9.6. Verantwortlichkeiten gegenüber anderen Designern

9.6.1. Wettbewerbsfähigkeit
9.6.2. Prestige des Berufsstandes
9.6.3. Auswirkungen auf andere Berufe
9.6.4. Beziehungen zu anderen Kollegen. Kritik

9.7. Soziale Verantwortung

9.7.1. Inklusives Design und seine Bedeutung
9.7.2. Zu berücksichtigende Merkmale
9.7.3. Eine Änderung der Denkweise
9.7.4. Beispiele und Referenzen

9.8. Verantwortung für die Umwelt

9.8.1. Ökodesign. Warum ist das so wichtig?
9.8.2. Merkmale eines nachhaltigen Designs
9.8.3. Auswirkungen auf die Umwelt
9.8.4. Beispiele und Referenzen

9.9. Ethische Konflikte und praktische Entscheidungsfindung

9.9.1. Verantwortungsvolles Verhalten und Praktiken am Arbeitsplatz
9.9.2. Bewährte Praktiken des digitalen Designers
9.9.3. Wie Sie Interessenkonflikte lösen
9.9.4. Wie geht man mit Geschenken um?

9.10. Freies Wissen: Creative Commons Lizenzen

9.10.1. Was sind sie?
9.10.2. Arten von Lizenzen
9.10.3. Symbologie
9.10.4. Besondere Verwendungszwecke

Modul 10. Typografie

10.1. Einführung in die Typografie

10.1.1. Was ist Typografie?
10.1.2. Die Rolle der Typografie im Grafikdesign
10.1.3. Abfolge, Kontrast, Form und Gegenform
10.1.4. Beziehung und Unterschiede zwischen Typografie, Kalligrafie und Schriftzug

10.2. Die vielfältigen Ursprünge der Schrift

10.2.1. Ideografische Schrift
10.2.2. Das phönizische Alphabet
10.2.3. Das römische Alphabet
10.2.4. Die karolingische Reformation
10.2.5. Das moderne lateinische Alphabet

10.3. Anfänge der Typografie

10.3.1. Die Druckerpresse, eine neue Ära. Erste Typographen
10.3.2. Die industrielle Revolution: Lithographie
10.3.3. Modernismus: Die Anfänge der kommerziellen Typografie
10.3.4. Die Avantgarde
10.3.5. Die Zwischenkriegszeit

10.4. Die Rolle der Designschulen in der Typografie

10.4.1. Das Bauhaus
10.4.2. Herbert Bayer
10.4.3. Gestaltpsychologie
10.4.4. Schweizer Schule

10.5. Aktuelle Typografie

10.5.1. 1960-1970, Vorläufer der Revolte
10.5.2. Postmoderne, Dekonstruktivismus und Technologie
10.5.3. Wohin entwickelt sich die Typografie?
10.5.4. Richtungsweisende Schriftarten

10.6. Typografische Form I

10.6.1. Anatomie des Buchstaben
10.6.2. Maße und Attribute des Typs
10.6.3. Schriftfamilien
10.6.4. Groß- und Kleinbuchstaben sowie Small Caps
10.6.5. Unterschied zwischen Typografie, Schriftart und Schriftfamilie
10.6.6. Filets, Linien und geometrische Elemente

10.7. Typografische Form II

10.7.1. Die typografische Kombination
10.7.2. Schriftformate (PostScript-TrueType-OpenType)
10.7.3. Schriftlizenzierung
10.7.4. Wer sollte die Lizenz kaufen, der Kunde oder der Designer?

10.8. Korrekturlesen. Textgestaltung

10.8.1. Abstand zwischen den Buchstaben. Tracking und Kerning
10.8.2. Wortzwischenräume. Das Quadratin
10.8.3. Abstand zwischen den Zeilen
10.8.4. Schriftart-Körper
10.8.5. Text-Attribute

10.9. Das Zeichnen von Buchstaben

10.9.1. Der kreative Prozess
10.9.2. Traditionelle und digitale Materialien
10.9.3. Die Verwendung des Grafiktabletts und des ipad
10.9.4. Digitale Typografie: Umrisse und Bitmaps

10.10. Typografische Poster

10.10.1. Kalligraphie als Grundlage für das Zeichnen von Buchstaben
10.10.2. Wie schafft man eine typografische Komposition, die Eindruck macht?
10.10.3. Visuelle Referenzen
10.10.4. Die Skizzierphase
10.10.5. Projekt

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