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Animation 2D offre un large éventail d'avantages, notamment en raison de son style visuel classique et intemporel, qui permet de créer des personnages et des environnements et de capter l'imagination du spectateur d'une manière enchanteresse. En outre, sa simplicité apparente facilite la narration d'histoires complexes d'une manière accessible, ce qui permet d'établir un lien plus profond avec le public. La polyvalence de ce médium permet d'expérimenter des styles visuels et expressifs, offrant aux créateurs une liberté extraordinaire.

C'est ainsi qu'est né ce Mastère spécialisé en Animation 2D, qui présente un programme complet couvrant des modules conçus pour former les créateurs aux facettes de l'animation bidimensionnelle. Ainsi, les professionnels aborderont les fondements de la conception graphique, en comprenant comment l'utilisation correcte des lignes, des formes et des couleurs contribue à la narration visuelle dans l'animation. Ils étudieront également les principes de base qui régissent le mouvement et l'expression dans ce média, afin de créer des séquences animées convaincantes.

Vous vous plongerez également dans les technologies actuelles, ce qui vous permettra d'acquérir une connaissance de Software et des techniques numériques essentiels à la création d'animations contemporaines en 2D. A cela s'ajoute une compréhension approfondie de certains aspects spécifiques, du développement des personnages à l'application de techniques avancées.

De même, les diplômés seront préparés à planifier efficacement des projets d'animation, en tenant compte d'aspects tels que le scénario et la conception de la production, puis à se concentrer sur l'exécution des projets, en appliquant leurs connaissances à la création d'animations complètes. Enfin, les étudiants seront dotés des compétences nécessaires pour affiner et promouvoir leurs créations sur le marché, en comprenant l'importance du Marketing et de la commercialisation dans ce secteur.

Ainsi, le programme académique offrira une opportunité unique en présentant une modalité entièrement en ligne et flexible. Cette approche donnera aux étudiants une plus grande liberté dans l'organisation de leur emploi du temps, ce qui leur permettra de concilier plus efficacement leurs responsabilités personnelles et professionnelles quotidiennes.

Animation 2D s'adapte facilement à une variété de plateformes, de la télévision aux médias sociaux, ce qui en fait un outil efficace pour atteindre des publics de tous âges. Inscrivez-vous dès maintenant!”

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Vous approfondirez les concepts clés qui régissent le mouvement dans l'animation, tels que l'anticipation, la surcharge et le suivi de l'action, grâce à la méthodologie révolutionnaire Relearning”

Le corps enseignant comprend des professionnels du domaine et qui apportent à cette formation l'expérience de leur travail, ainsi que des spécialistes reconnus de grandes sociétés et d'universités prestigieuses.

Son contenu multimédia, développé avec les dernières technologies éducatives, permettra au professionnel un apprentissage situé et contextuel, c'est-à-dire, un environnement simulé qui fournira une formation immersive programmée pour s'entraîner dans des situations réelles.

La conception de ce programme est axée sur l'Apprentissage par les Problèmes, grâce auquel le professionnel doit essayer de résoudre les différentes situations de la pratique professionnelle qui se présentent tout au long du programme. Pour ce faire, l’étudiant sera assisté d'un innovant système de vidéos interactives, créé par des experts reconnus.

Vous combinerez la tradition artistique avec les technologies numériques, en abordant les projets d'animation à partir de multiples perspectives créatives”

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Le Mastère spécialisé en Animation 2D couvrira un large éventail de contenus, conçus pour fournir aux étudiants une compréhension profonde et holistique de l'animation bidimensionnelle. En outre, le programme comprendra des modules de base couvrant les principes théoriques et pratiques, de la création de personnages et de scénarios à la narration visuelle. De plus, vous vous familiariserez avec des techniques d'animation avancées, ainsi qu'avec l'utilisation de Softwares spécialisés pour créer et éditer des contenus animés.

Un programme élaboré par des experts et un contenu de qualité seront la clé de la réussite de votre apprentissage”

Module 1. Langage 2D

1.1. Animation 2D

1.1.1. Photogrammes
1.1.2. Exposition de photogrammes et types d'animation
1.1.3. Style d’Animation 2D

1.2. Scénario

1.2.1. Scénario Audiovisuel
1.2.2. Précurseurs du scénario Synopsis, storyboard et utilisation de l'application Storybeats
1.2.3. Structure et terminologie du scénario

1.3. Utilisation de l'interface de Toon Boom Harmony

1.3.1. Reconnaissance de la zone de travail
1.3.2. Ligne de temps
1.3.3. Outils de base

1.4. Langage graphique

1.4.1. Dessin
1.4.2. Langage de composition
1.4.3. Langage de la couleur

1.5. Langage cinématographique et audiovisuel -se-en-scène

1.5.1. Plans en fonction de leur relation avec leur objet
1.5.2. Les mouvements de caméra, leur nomenclature et leur utilité
1.5.3. Éléments morphologiques d'une œuvre audiovisuelle

1.6. Langage cinématographique et audiovisuel - Aspect sémantique

1.6.1. Montage et édition
1.6.2. Transitions et rythme
1.6.3. Description des plans et des séquences en fonction de leurs objectifs narratifs

1.7. Langage de production

1.7.1. Flux de travail et organigramme dans la production d'un projet d'animation
1.7.2. L'animateur et sa relation avec l'espace de production
1.7.3. L'animateur et sa relation avec le secteur de la direction et les autres secteurs créatifs

1.8. Interface d’Adobe Animate

1.8.1. Exploration et reconnaissance de l'espace de travail
1.8.2. Frise chronologique

1.9. Animation 2D traditionnelle Adobe appliquée aux médias numériques

1.9.1. Terminologies comparatives dans Toon Boom Harmony
1.9.2. Terminologies comparatives dans Adobe Animate
1.9.3. Terminologies propres aux médias numériques

1.10. Langages supplémentaires

1.10.1. Langage sonore
1.10.2. Langage des couleurs et langage narratif
1.10.3. Ton, genre et discours de l'œuvre audiovisuelle

Module 2. Principes d'Animation 2D

2.1. Compression et étirement (squash et stretch)

2.1.1. Compression et conservation de la masse
2.1.2. Étirement et conservation de la masse
2.1.3. Application aux médias numériques et autres déformations

2.2. Anticipation, composition des forces parallèles et inverses et leur valeur narrative

2.2.1. Anticipation physique
2.2.2. Anticipation narrative et autres types d'anticipation
2.2.3. Anticipation de l’anticipation

2.3. Mise en scène

2.3.1. Mise en scène
2.3.2. Attractivité visuelle et dessin ferme
2.3.3. Animation secondaire

2.4. Animation linéaire (straight ahead)

2.4.1. Animation linéaire
2.4.2. Animation pose par pose
2.4.3. Animation hybride

2.5. Changements de pose des personnages (breakdowns)

2.5.1. Entrelacement direct et entrelacement avec breakdowns
2.5.2. Changements de direction
2.5.3. Changements de vitesse

2.6. Actions complémentaires et superposées

2.6.1. Action complémentaire
2.6.2. Filtrage en Peignes 
2.6.3. Action superposée

2.7. Accélérations, décélérations et rythme

2.7.1. Décélération
2.7.2. Accélération
2.7.3. Courbes d'accélération

2.8. Arcs

2.8.1. Le pivot et l'axe de rotation
2.8.2. Arches du mouvement
2.8.3. Autres voies d'acheminement des produits biologiques

2.9. Exagération

2.9.1. Exagération de la pose
2.9.2. Exagération du rythme
2.9.3. Réactions des personnages (take et double take)

2.10. Contacts et frottements

2.10.1. Enregistrement
2.10.2. Contacts
2.10.3. Frottement et résistances

Module 3. Animation Traditionnelle Avancée

3.1. Animation des positions

3.1.1. Silhouette
3.1.2. Lignes d'action
3.1.3. Counterposes et reversals

3.2. Synchronisation labiale

3.2.1. Mouvements de la bouche
3.2.2. Entrelacement des vocalisations et performance de la bouche
3.2.3. Synchronisation numérique automatisée

3.3. Cycle de marche

3.3.1. Contacts et changements de position
3.3.2. Changements de position dans le cycle de marche
3.3.3. Cyclage d'une marche linéaire et cycles dans Animate et Toon Boom

3.4. Marche, cycles de course et cycles alternatifs

3.4.1. Marche
3.4.2. Courses
3.4.3. Cycles alternatifs

3.5. Tours complets

3.5.1. De la tête
3.5.2. Complets et d'objet
3.5.3. Tours tronqués

3.6. Exagération et apaisement

3.6.1. Exagérer
3.6.2. Se calmer
3.6.3. Rebonds (Bounce)

3.7. Rotoscopie, référence et documentation

3.7.1. Rotoscopie
3.7.2. Référence vidéo
3.7.3. Intégration de l'action en direct

3.8. Balayages, multiples et flous

3.8.1. Balayages
3.8.2. Multiples
3.8.3. Flou

3.9. Nettoyage des traces et assistance

3.9.1. Assistance
3.9.2. Entrelacement
3.9.3. Correction des traces

3.10. Application des couleurs

3.10.1. L'ombrage comme deuxième niveau d'animation
3.10.2.  Projection d'ombres
3.10.3. Automatisation numérique des couleurs et des ombres avec Toon Boom

Module 4. Outils Numériques

4.1. Miniatures

4.1.1. Importance du scénarimage (storyboard) en tant qu'outil de narration et de production 
4.1.2. Storyboard de base et prévisualisation
4.1.3. Miniatures et scénarios initiaux

4.2. Enregistrement de la voix

4.2.1. Enregistrement de la voix
4.2.2. Edition du dialogue
4.2.3. Édition de la musique et des effets sonores

4.3. Préparation

4.3.1. Format et rapport d'aspect
4.3.2. Composition
4.3.3. Zones de sécurité

4.4. Symbologie

4.4.1. Symbologie normalisée
4.4.2. Simulation des mouvements de caméra
4.4.3. Le storyboard numérique

4.5. Utilisation de Storyboard Pro

4.5.1. Interface
4.5.2. Ligne de son et ligne de temps
4.5.3. Outils supplémentaires

4.6. Alternatives numériques

4.6.1. Storyboard avec Photoshop
4.6.2. Storyboard avec Adobe Animate
4.6.3. Storyboard avec After effects

4.7. Scénarimage pour les animateurs

4.7.1. L'artiste du storyboard
4.7.2. Clés d'animation dans le storyboard
4.7.3. Travail en couches

4.8. Utilisation du Roughboard

4.8.1. Exploration graphique
4.8.2. Préparation du rough board
4.8.3. Exécution

4.9. Storyboard

4.9.1. Composition
4.9.2. Fonds
4.9.3. Travail avec personnages

4.10. Animation

4.10.1. Edition en temps réel
4.10.2. Révisions
4.10.3. Post production

Module 5. Design et Animation de Personnages

5.1. Design des personnages

5.1.1. Silhouette et proportion
5.1.2. Couleur, style et personnalité

5.2. Guide du personnage

5.2.1. Études de personnages
5.2.2. Cohérence et tolérance
5.2.3. Rédaction et structure d'un guide de personnage

5.3. Fiche modèle

5.3.1. Le présenter dans différentes poses
5.3.2. Fiche d'expression et de langage corporel
5.3.3. Fiche de Vocalisations, d'échelle et complémentaires

5.4. Interprétation de texte

5.4.1. Le texte, le genre et le ton Les informations que l'on peut en tirer
5.4.2. Le sous-texte et l'ironie
5.4.3. La fonction narrative et l'intention de l'auteur

5.5. Outils de représentation

5.5.1. Représentation formelle et expérientielle
5.5.2. Analyse du personnage et du contexte
5.5.3. Stimuli externes et stimuli internes

5.6. Pantomime et langage corporel

5.6.1. Langage corporel, interactions
5.6.2. Gestuel des mains
5.6.3. Rythme, mouvements minimaux et travail scénique

5.7. Les expressions faciales

5.7.1. Étude des traits et des expressions du visage
5.7.2. Les yeux et leurs propriétés expressives
5.7.3. Références et documentation

5.8. Animation d'un dialogue

5.8.1. La contribution de l'acteur vocal
5.8.2. Exploration des dialogues enregistrés
5.8.3. Utilisation de la pause

5.9. Auto-référence vidéo

5.9.1. Auto-référence
5.9.2. Transcription et réinterprétation
5.9.3. Nettoyage et polissage

5.10. Animation de personnages

5.10.1. Atelier d'animation corporelle
5.10.2. Addition de l'interprétation faciale
5.10.3. Addition de la synchronisation vocale

Module 6. Animation Vectorielle

6.1. Bitmaps et vecteurs

6.1.1. Bitmaps
6.1.2. Dessin vectoriel
6.1.3. Comparatifs et applications

6.2. Utilisation d’Adobe Animate

6.2.1. Symboles, graphiques et outil movie clip
6.2.2. Interpolation de mouvement et mouvement semi-tridimensionnel
6.2.3. Interpolation des formes et caméra virtuelle

6.3. Utilisation de Toon Boom Harmony

6.3.1. Bibliothèques
6.3.2. Os et déformateurs
6.3.3. Couleur automatique

6.4. Préparation d'un personnage pour Adobe Animate

6.4.1. Séparation des éléments et traçage
6.4.2. Traces clés internes
6.4.3. Construction de personnages

6.5. Préparation d'un personnage pour Toon Boom Harmony

6.5.1. Traçage
6.5.2. Os et contrôle numérique
6.5.3. Ajustements

6.6. Lumières et ombres dans Toon Boom Harmony

6.6.1. Régler les volumes
6.6.2. Lumières et caméra virtuelles
6.6.3. Projection d'ombres

6.7. Utilisation de Story Board Pro

6.7.1. Interface
6.7.2. Lgne du temps
6.7.3. Édition numérique

6.8. Logiciels alternatifs

6.8.1. Krita
6.8.2. Animation Paper
6.8.3. Open Toonz- Anime

6.9. Utilisation du Moho

6.9.1. Exploration de l'interface
6.9.2. Outil Smart Warp
6.9.3. Outils Smart bones et pin bones

6.10. Utilisation de Greased Pencil de Blender

6.10.1. Reconnaissance du Software
6.10.2. Pilotes et fonctionnalités supplémentaires
6.10.3. Synchronisation labiale automatisée 

Module 7. Animation Spécialisée

7.1. Cycles de marche des créatures non bipèdes

7.1.1. Quadrupèdes
7.1.2. Autres animaux non plantigrades
7.1.3. Cycles de locomotion alternatifs

7.2. Mouvements pratiques supplémentaires

7.2.1. Cycles de vol
7.2.2. Échelles, levage de poids, chutes
7.2.3. Souffles, interactions, danses

7.3. Effets spéciaux, fluides

7.3.1. Petites masses d'eau
7.3.2. Grandes masses d'eau
7.3.3. Fluides visqueux

7.4. Effets spéciaux, feu et fumée

7.4.1. Feu
7.4.2. Fumée
7.4.3. Incendies, fusées éclairantes et lave

7.5. Animation des phénomènes météorologiques et climatiques

7.5.1. Pluie, orages et éclairs
7.5.2. Neige et vent
7.5.3. Réfractions

7.6. Animation d'effets spéciaux de science-fiction et de fantaisie

7.6.1. Effets magiques
7.6.2. Effets d'emphase
7.6.3. Effets de science-fiction

7.7. Animation des cheveux et des tissus

7.7.1. Cheveux
7.7.2. Tissu
7.7.3. Papier, cordes et autres

7.8. Explosions, chutes et ruptures

7.8.1. Glissements de terrain
7.8.2. Explosions
7.8.3. Ruptures

7.9. Effets d'éclairage et projection d'ombres

7.9.1. Ombres sur la figure
7.9.2. Effets d'éclairage
7.9.3. Projection d'ombres et ombres automatisées numériquement

7.10. Transitions d'images et transformations 

7.10.1. Transitions d'images
7.10.2. Déformations extrêmes
7.10.3. Orbites

Module 8. Préproduction

8.1. Direction de l'animation

8.1.1. Style et vision
8.1.2. Responsabilités, proactivité, disposition et délégation
8.1.3. Communication avec les équipes de création et de production

8.2. Découpage du scénario

8.2.1. Software de planification
8.2.2. Identification des ressources d'animation (assets)
8.2.3. Création d'un découpage scénaristique

8.3. Production en ligne et flux de travail

8.3.1. Production en ligne
8.3.2. Flux de travail
8.3.3. Introduction au programme Shotgun

8.4. Art conceptuel

8.4.1. Du scénario au concept art
8.4.2. Style visuel
8.4.3. Travail avec le réalisateur et références

8.5. Conception des lieux de tournage

8.5.1. tructure et besoins narratifs d'un lieu de tournage
8.5.2. Le lieu hors cadre, atmosphères et couleur
8.5.3. Concept art et conception des lieux pour le projet final

8.6. Conception des accessoires et fiches modèles

8.6.1. Besoins pratiques en matière de conception d'accessoires
8.6.2. Véhicules et éléments praticables
8.6.3. Conception d'accessoires pour le projet final

8.7. Scénario des couleurs

8.7.1. La valeur narrative de la couleur
8.7.2. Clés de couleur
8.7.3. Scénario de couleur pour le projet final

8.8. Interprétation du scénarimage

8.8.1. Interprétation du scénarimage
8.8.2. Conception de lay out
8.8.3. Lay out définitif pour le projet final

8.9. Enregistrement vocal final

8.9.1. Direction d'acteurs vocaux
8.9.2. Édition audio numérique
8.9.3. Positionnement des voix pour le projet final

8.10. Animation test et pilote

8.10.1. Test au crayon
8.10.2. Intégration avec les lieux et la couleur
8.10.3. Ajustements et corrections du pilote

Module 9. Production

9.1. Utilisation de Rough Animation

9.1.1. Première passe
9.1.2. Masses, arcs et contacts

9.2. Conception du mouvement

9.2.1. Action corporelle et indices narratifs
9.2.2. Acting du visage
9.2.3. Break downs et spacing

9.3. Positions clés

9.3.1. Résolution des positions clés
9.3.2. Révision des masses
9.3.3. Clés de synchronisation labiale

9.4. Entrelacement

9.4.1. Principes de l'entrelacement
9.4.2. Entrelacement d'arcs et de routes
9.4.3. Entrelacement numérique

9.5. Nettoyage des traits et assistance

9.5.1. Le travail de l'assistant d'animation
9.5.2. La ligne dans le nettoyage des traits
9.5.3. Nettoyage des traits et assistance numérique

9.6. Ombrage numérique et trace par trace

9.6.1. Ombrage, un deuxième niveau d'animation
9.6.2. Dégradés, demi-teintes et couches d'ombre
9.6.3. Atelier d'ombrage automatisé

9.7. Animation complémentaire

9.7.1. Animation des effets spéciaux
9.7.2. Introduction au programme After Effects
9.7.3. Effets numériques

9.8. Composition numérique et caméras

9.8.1. Composition numérique
9.8.2. Animation de caméras
9.8.3. Caméra multiplan et 2.5D

9.9. Rendering

9.9.1. Standards de l'industrie
9.9.2. Livraison de tests
9.9.3. Livraisons finales

9.10. Conception du titre

9.10.1. Introduction au graphisme animé
9.10.2. Conception du titre
9.10.3. Pratiques de crédit entrant et sortant

Module 10. Postproduction et Marketing

10.1. Édition et composition finale

10.1.1. Montage
10.1.2. Transitions
10.1.3. Blocage de mouvements

10.2. Conception sonore

10.2.1. Définition et analyse d'exemples
10.2.2. Direction du concepteur sonore
10.2.3. Partitions et bande sonore

10.3. Mixage sonore

10.3.1. Définition et analyse d'exemples
10.3.2. Direction en matière de mixage sonore
10.3.3. Mixage final

10.4. Correction des couleurs avec DaVinci Resolve

10.4.1. Introduction à DaVinci Resolve
10.4.2. Balance des couleurs
10.4.3. Gamme dynamique

10.5. Bobine de démonstration (Demo reel)

10.5.1. Sélection des travaux et montage
10.5.2. Aspect sonore
10.5.3. Plateformes et promotion

10.6. Marchés

10.6.1. Publicité
10.6.2. Autogestion des réseaux sociaux
10.6.3. Animation, techniques, médicales et autres spécialités

10.7. Autoreprésentation

10.7.1. Négociation
10.7.2. Tests d'animation et leur cotisation
10.7.3. Questions opérationnelles et situationnelles

10.8. Financement du projet

10.8.1. Canaux et appels à propositions
10.8.2. Création de dossiers
10.8.3. Financement mixte

10.9. Financement privé

10.9.1. Sociétés d'investissement et de création
10.9.2. Micro-patronat
10.9.3. Traitement et stratégie de vente

10.10. Enregistrement et droits de l'œuvre

10.10.1. Enregistrement des œuvres
10.10.2. Droit international d'auteur
10.10.3. Redevances internationales

Profitez de cette opportunité pour vous entourer de professionnels experts et apprendre de leur méthodologie de travail"